Comment chaque film a été développé de manière narrative


Dcera (fille) (Daria Kashcheeva, République tchèque)

Simple embrasse des années de souffrance dans la relation entre un homme et sa fille. Les regards et les gestes en disent long dans ce drame muet en stop motion de Kashcheeva, qui a réalisé le film dans la célèbre école FAMU de Prague.

Daria Kashcheeva
Daria Kashcheeva

Kashcheeva: J'ai écrit cette histoire il y a quatre ans pour mes examens d'entrée à la FAMU. À cette époque, j'étais vraiment intéressé par la psychologie – je pensais beaucoup à la façon dont l'enfance influence notre comportement. Je l'ai écrit très vite, en quelques jours, car quand j'ai commencé à penser à mon enfance, je me suis souvenu de quelques moments qui avaient peut-être été dans mon subconscient.

Quand j'ai réussi les examens, j'ai quitté cette histoire, car les deux premières années d'études étaient vraiment intenses. À la fin de la deuxième année, j'ai commencé à réfléchir à ce que serait le film de mon célibataire et je me suis souvenu de cette histoire. Je l'ai développé dans un script. J'y ai travaillé pendant un an et demi; c'était une sorte de psychothérapie pour moi.

Je ne savais pas comment cela allait se terminer au début, mais pendant l’animation, en pensant à ma relation avec mes parents, j’ai compris qu’il était important de pardonner. Le pardon peut changer notre passé, nos souvenirs. C’est pourquoi il y a ce câlin à la fin. J'ai réalisé que je ne voulais pas que le père meure.

Jiří Kubíček et Anna Vášová, écrivains réputés en République tchèque, enseignent l'écriture de scénario à la FAMU. Au début, je leur ai demandé des conseils. Nous avons également consulté des enseignants du département de montage – mon mari est le monteur du film. Ils ont fait des suggestions, mais en veillant toujours à ce que mes idées se concrétisent. Le film commence à l’hôpital, puis vous voyez les souvenirs de la fille, puis la fin est à nouveau à l’hôpital. Anna a donné un très bon conseil: retourner à l'hôpital au milieu du film aussi.

Nous avons discuté de la langue depuis le début, car c’est un film tchèque et je me sens agacé quand j’ai besoin de lire des sous-titres – en animation, il y a beaucoup à regarder. Une raison supplémentaire était que je voulais que les marionnettes soient en papier mâché, et je ne savais vraiment pas comment les faire (parler). De plus, je pensais à la façon dont les malentendus dans les relations se produisent parce que les gens ne pouvaient pas se parler. Pour la dramaturgie, c'était bien que les personnages ne puissent pas parler.

J'adore les documentaires et cette esthétique «imparfaite» en direct – comme les films Dogme, Lars von Trier, les Dardenne Brothers. Je pensais que cette esthétique pouvait très bien fonctionner pour mon histoire. Je ne savais pas comment le créer en animation, j'ai donc étudié celui de von Trier Briser les vagues image par image, puis fait des tests. Nous avons fait un teaser et avons eu de très bons retours de professionnels. J'ai réalisé que j'avais trouvé une bonne esthétique pour l'histoire, pour faire en sorte que le spectateur la ressente davantage, les approfondisse.

Je n’ai pas discuté du film avec mes proches (pendant le tournage). Avec mes parents, nous ne discutons pas d’émotions, etc. J'ai pensé que je pourrais leur faire du mal si je posais des questions sur notre relation. J'ai décidé que mon travail sur le film serait ma propre réflexion sur tous mes sentiments. Quand j'ai montré le film à mes parents, ils ne parlaient toujours pas de notre relation, mais ils m'ont dit qu'ils pensaient que le film et sa fin étaient vraiment super. Je pense que quelque chose a vraiment changé dans notre relation. Nous avons parlé à travers le film.


Amour de cheveux (Matthew A. Cherry, États-Unis)

Avec sa mère absente, une jeune fille afro-américaine se tourne vers son père pour l'aider avec ses cheveux indisciplinés. La tâche se transforme en combat de sa vie. La production des débuts d'animation de Cherry a sa propre histoire intéressante: lancé sur Kickstarter, le projet 2d a reçu des dons record et a finalement été acquis par Sony Pictures Animation. Les codirecteurs de Cherry sont des vétérans de l’industrie de l’animation Everett Downing Jr. et Bruce W. Smith.

Matthew A. Cherry
Matthew A. Cherry

Cerise: En 2016, je suis tombé sur cette image cg vraiment cool d'un père – je pense qu'il était brésilien – et il avait sa fille assise sur ses genoux, le regardant avec ces bouffées afro, et ça avait l'air si mignon. J'ai essayé de faire fabriquer quelque chose à ce moment-là, mais je n'ai pas réussi à réunir l'équipe. Un an plus tard, j'ai vu toutes ces vidéos virales de pères afro-américains qui coiffaient leurs filles. Cela m'a rappelé l'idée originale et a aidé à concentrer l'histoire potentielle.

J'ai ressenti une excellente opportunité de faire quelque chose qui était centré sur une famille afro-américaine en animation. C’était si rare, surtout en 2017. De plus, chaque semaine, il y a une nouvelle histoire (dans les nouvelles à propos d’une école ayant un problème avec les cheveux d’un élève noir). Des histoires comme Amour de cheveux sont importantes pour aider à normaliser nos cheveux et montrer que nous en sommes très fiers. Nous devons nous éloigner des seules normes de beauté euro-centriques.

À mon avis, l'animation est le support le plus universel. Cela permet au public de s'immerger pleinement dans l'expérience, que ce soit des animaux qui parlent, une autre culture… En action réelle, je ne pense pas que nous aurions eu le même impact. Peter Ramsey (co-directeur de Spider-Man: dans le Spider-Verse et producteur exécutif de Amour de cheveux) a été l'une des premières personnes à qui j'ai contacté. Amour de cheveux n'est pas une grande histoire fantastique, et je me demandais si elle était assez grande (pour l'animation). Ramsey était vraiment encourageant: il a dit que l'animation est un médium. Cela peut être ce que nous voulons que ce soit.

Nous voulions vraiment pousser le médium, alors nous avons créé ces séquences fantastiques vraiment cool. Nous en avons eu quelques-uns qui ont été découpés, dans lesquels la fille a imaginé ce que serait sa vie si elle avait une coiffure: elle est sur une piste en tant que mannequin, ou super-héros, ou une chanteuse comme Beyoncé. Mais nous avons constaté que, sur le plan tonique, cela n'avait pas de sens, et que garder les séquences fantastiques avec le père combattant ses cheveux (dans un ring de boxe) avait le plus de sens.

Je suis un grand fan des courts métrages d’animation, et une chose que j’ai remarquée avec beaucoup d’entre eux est qu’il n’y a pas de dialogue. Cela tient en partie au fait qu’il est plus coûteux d’animer des bouches et d’embaucher des voix. Nous sommes entrés dans Amour de cheveux avec l’idée qu’il n’y aurait pas de dialogue – quelque chose que j’ai déjà fait (en direct).

Mais nous avons cette blogueuse aux cheveux naturels dans le film, et nous avons pensé que nous ne pourrions pas comprendre le fait qu’elle est une blogueuse sans avoir sa voix. Ensuite, nous avons réalisé que c'était vraiment cool: quand nous rencontrons la mère à la fin, nous voulions vraiment que les gens établissent le lien que c'est la même personne que le blogueur. Sa voix au début contribue à accentuer le fait qu’elle s’est cachée là tout le temps. Parce que le père et la fille ne communiquent pas verbalement, cela contribue à accentuer encore plus leur voyage.


Kitbull (Rosana Sullivan, États-Unis)

La peur, le courage et l'amour trouvent leur expression la plus pure dans une relation évolutive entre un chaton et un pitbull. Produit dans le cadre de la nouvelle initiative Sparkshorts de Pixar, Kitbull est une œuvre rare d'animation dessinée à la main du studio. Il s’agit du premier travail de réalisateur de Sullivan, qui a travaillé comme scénariste sur plusieurs longs métrages de Pixar.

Rosana Sullivan
Rosana Sullivan

Sullivan: J'étais stressé au travail, alors j'ai commencé à dessiner ce petit chaton décousu comme une évasion amusante. J'ai toujours été attiré par l'énergie frénétique et imprévisible des chats, et j'avais envie d'une représentation plus réfléchie de celle-ci dans l'animation (comme Le chat de Simon).

J'avais également étudié pour devenir vétérinaire avant de passer à l'animation et je faisais du bénévolat dans plusieurs cliniques et abris. C'est ici que j'ai rencontré des pitbulls de près et j'ai vu à quel point ils pouvaient être doux et doux, malgré mes craintes initiales à leur égard. J'ai également vu le nombre disproportionné de chats noirs qui n'étaient toujours pas adoptés. J'ai donc décidé de raconter une histoire simple sur les deux.

Au fur et à mesure que j'embarquais au fil des ans, j'ai commencé à trouver un sens plus personnel dans la relation de ces personnages. J'avais toujours personnellement lutté avec une anxiété sociale profonde, donc les thèmes de l'isolement, de la connexion, de la confiance et de l'empathie ont résonné en moi. Mon espoir était de capturer ces sentiments universels à travers le prisme de l'expérience de ces deux personnages et, espérons-le, de réfléchir à la façon dont nous traitons les animaux, ainsi que les uns les autres.

En grandissant, j'ai adoré le fait que les anciens films d'animation classiques et les courts métrages n'avaient pas peur de montrer des thèmes plus sombres, de Dumbo à Princesse Mononoke. Je pense que cela m'a aidé à développer un éventail plus profond d'émotions et d'empathie lorsque j'étais enfant. Je ne voulais pas mettre les enfants à l'abri des réalités les plus crues de cette histoire, alors j'ai essayé de trouver un moyen aussi élégant de les intégrer.

Je tenais vraiment à ces personnages. Je savais que pour que les deux puissent se connecter, ils devaient comprendre la douleur de l’autre et apprendre à être vulnérables les uns avec les autres. Malheureusement, cela signifiait les mettre tous les deux à travers le pire. Je n'ai jamais voulu m'attarder trop longtemps dans les moments sombres et j'ai compté sur mon équipe et mes pairs pour vérifier si j'allais trop loin dans les deux sens.

Observer le comportement des animaux a toujours été une passion profonde pour moi, alors j'ai trouvé que le langage corporel subtil et audacieux du chaton et du pitbull était immédiatement engageant. Cela a permis à leurs interactions d'être simples et pures. Cependant, comme il n'y avait pas de dialogue, je devais m'assurer que l'histoire était aussi hermétique et efficace que possible. Cela signifiait couper beaucoup de moments qui auraient tiré le spectateur hors de l'histoire.

Bien que le cœur de l'histoire soit toujours resté le même, le court métrage est passé d'un récit plus léger, plus lâche et tentaculaire à un morceau plus sombre et plus condensé. La version la plus longue était une bobine de storyboard de 18 minutes que j'avais moi-même découpée. Lorsque Pixar a proposé de le produire en Sparkshort, j'ai pu faire appel à une éditrice incroyable, Katie Schaefer Bishop, qui l'a réduit à une bobine de six minutes.

La prémisse initiale du programme Sparkshorts était de voir ce qu'un réalisateur pouvait faire en six mois avec une petite équipe, pratiquement sans surveillance… et de préférence sans la note «R». Nous étions à peu près seuls pour déterminer ce que nous faisions. 2d a été mon premier amour, et sur le plan pratique, c'était le support le plus productible pour notre histoire, notre temps et notre budget. Cependant, j’ai également senti que la nature imprévisible du chaton ne pouvait être capturée que par la beauté imparfaite et l’énergie de l’animation dessinée à la main.


Mémorable (Bruno Collet, France)

Alors que son esprit commence à le quitter, Louis dérive instablement entre le monde qu'il connaît et une vie intérieure de plus en plus étrange. Sa femme aimante et sa passion pour la peinture l'ont ancré tout au long de ce processus désorientant. Cette œuvre nostalgique en stop-motion du cinéaste chevronné Collet compte trois prix à Annecy parmi son sac de récompenses.

Bruno Collet
Bruno Collet

Collet: Alors que ni moi ni mes proches n’avons été touchés par la maladie d’Alzheimer, j’ai rapidement réalisé qu’elle se propageait de façon exponentielle. Il semblait choisir ses victimes selon des règles que nous ne comprenons pas encore. Quelle que soit votre classe sociale ou votre ancienne profession, que vous ayez vécu une vie d'excès ou d'ascèse, cette maladie dégénérative peut vous choisir et ruiner votre vie.

Pour savoir comment les gens vivent cette condition, j'ai simplement gardé les oreilles ouvertes. Malheureusement, il y a beaucoup d'enfants ou d'aides dont un parent ou un conjoint en souffre. Ce qui est frappant, c'est que, plus que pour les autres maladies, ils sont heureux de s’en ouvrir, de parler de leur vie quotidienne avec un malade. Croyez-moi, si les anecdotes sont souvent tristes, elles peuvent soudainement devenir humoristiques sans avertissement.

Je connaissais les autres courts métrages d'animation qui ont été réalisés sur la démence ces dernières années, et ils m'ont fait me demander si un autre film sur le sujet était nécessaire. La découverte du travail du peintre William Utermohlen m'a convaincu qu'il est possible d'avoir un point de vue personnel sur cette maladie. En continuant à peindre des autoportraits malgré sa maladie, Utermohlen nous a permis de nous glisser dans son esprit. Cela l'a réglé pour moi. J'avais ma prémisse: montrer la maladie à travers les yeux du patient.

La première version du film était bien plus radicale. Il devait être entièrement filmé à la première personne, et nous ne voyions le visage du patient que très occasionnellement (reflété dans un miroir, dans une petite cuillère…). Pendant la panne de tir, cela a commencé à se sentir compliqué un peu contre nature. Sinon, le script était plus ou moins le même. Nous venons de couper quelques minutes.

Le film se termine sur une note édifiante. Je ne voulais pas Mémorable être simplement un film sur la maladie d'Alzheimer. Pour moi, c’est avant tout une question d’amour – un amour qui lie ce couple depuis des décennies. Leur «séparation» devait passer par la musique, une émeute de couleurs, la peinture à la Jackson Pollock.

C’est vraiment dans le story-board et surtout l’animatique que j’ai trouvé un équilibre entre les éléments «réels» et les images plus «surréalistes» du monde intérieur de Louis. L'enchaînement des plans devait surprendre et déstabiliser le spectateur, afin de transmettre le sentiment de désorientation ressenti par Louis. Les images «surréalistes» en font partie, bien sûr, mais les sauts temporels et les remarques «dissociées» de Louis sont également importants.


Sœur (Siqi Song, États-Unis / Chine)

Un homme se souvient de l'enfance qu'il a passée avec sa petite sœur douce et irritante. Les souvenirs, apparemment heureux, sont teintés d'une étrange mélancolie. Originaire de Chine, Song s’est inspirée de sa propre éducation et de ce que cela signifiait dans le climat social de son pays lors de la réalisation de ce film en stop-motion à Calarts.

Chanson Siqi
Chanson Siqi

Chanson: L'idée du film a commencé lorsque la Chine a changé la politique de l'enfant unique en une politique de deux enfants en octobre 2015. Cela a marqué la fin de l'ère de l'enfant unique en Chine. De nombreuses personnes nées à l'époque de la mise en œuvre de la politique, moi y compris, ont des sentiments mitigés à ce sujet. Je voulais faire un film pour enregistrer ce souvenir, ces histoires.

Je suis une femme, mais je savais depuis le début que le narrateur devait être un garçon et le «frère disparu» une fille, car cette configuration est typique des familles chinoises pendant cette période. L'idée de «préférence pour les fils» était profondément enracinée dans la vieille culture chinoise. Cela a changé au fil des ans, mais dans le cadre de la politique de l'enfant unique, de nombreuses familles voulaient toujours que leur seul enfant soit un garçon.

Dans certaines régions, il y avait même une «politique de 1,5 enfant», ce qui signifie que si le premier-né d’une famille était un garçon, elle ne pouvait pas avoir d’autre enfant. Pour ces raisons, notre génération a un déséquilibre entre les sexes, j'ai donc choisi un exemple typique de cette période pour raconter l'histoire. Personnellement, j'ai eu la chance de naître et de vivre une vie de «petite sœur». Ainsi, de nombreux détails du film sont basés sur mon expérience personnelle.

L'intrigue n'a pas changé depuis le tout début. J'ai toujours su que le film serait sur un homme imaginant comment sa vie aurait pu être comme s'il avait eu une petite sœur. Ce qui a changé au cours du développement, ce sont les histoires individuelles du film. Je veux trouver les histoires les plus représentatives pour montrer la relation douce-amère entre un frère et une petite sœur. J'ai écrit plus de dix versions du script pour trouver les trois dernières histoires.

L'histoire mélange des éléments réalistes et surréalistes. Dans la première moitié, le narrateur dit en fait un «mensonge» au public. Pour rendre ce «mensonge» acceptable pour le public lorsqu'il est révélé, j'ai délibérément utilisé des éléments surréalistes pour décrire les trois histoires. En plus de montrer des détails sur la vie quotidienne du frère et de la sœur, les histoires révèlent aussi métaphoriquement la vérité d’une manière indemne.

Tirer le cordon ombilical représente l'avortement, le long nez dit que cette histoire est un mensonge, et la graine de dent jamais germée représente le bébé qui n'est jamais né. Parce que les histoires sont racontées à travers l’imagination d’un garçon, le public ne se sentira pas étrange à propos des éléments surréalistes et d’être trompé après avoir appris la vérité.

J'ai étudié dans le programme d'animation expérimentale de Calarts. En ce qui concerne la narration, ce que j'ai appris le plus chez Calarts, c'est comment raconter une histoire narrative en utilisant des méthodes non conventionnelles. Ils nous encouragent à essayer de nouvelles choses, à prendre des risques. J'essaie donc toujours d'expérimenter différentes techniques et matériaux pour faire de l'animation, et transmettre des sujets sérieux par l'humour et l'imagination.

Les images d'animation originales que j'ai tournées duraient plus de 12 minutes. Mais à la fin, je l'ai modifié pour garder le rythme plus rapide et plus compact. Le film fini dure environ huit minutes. Je n'ai jamais envisagé de faire parler le narrateur en anglais. L'histoire s'est déroulée dans les années 1990 en Chine. Cela ne semblerait pas authentique dans une autre langue ou un autre contexte.

La 92e cérémonie des Oscars aura lieu le dimanche 9 février au Dolby Theatre à Hollywood.


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